lunes, 25 de abril de 2016

FESTIVAL DE SAN REMO – 1982 A 1984

1982: RICCARDO FOGLI - STORIE DI TUTTI I GIORNI

1983: TIZIANA RIVALE - SARÀ QUEL CHE SARÀ

1984: AL BANO E ROMINA POWER - CI SARÀ

viernes, 22 de abril de 2016

FALLECE EL CANTANTE NORTEAMERICANO PRINCE



Ayer apareció la noticia del fallecimiento del cantante y compositor norteamericano Prince a la edad de 57 años. La cauda del fallecimiento se conocerá tras la autopsia que le será practicada, aunque lo último que se conoce es que hace unas semanas fue ingresado por una fuerte gripe que le hizo tener que suspender algunos conciertos, aunque sí realizó (sin estar totalmente resuperado) el que tenía previsto el pasado día 14 en Atlanta.

El artista, nacido en Minneapolis el 7 de junio de 1958, irrumpió en la escena musical allá por 1976 y alcanzó el éxito una década después con álbumes eternos como "1999" o "Purple Rain". Su madre, Mattie Shaw, era cantante en el mismo grupo en el que tocaba un pianista aficionado con el que se casaría. Se llamaba John L. Nelson y la banda Prince Roger Trio. De ahí surgió el nombre del que llegaría a ser un icono del pop. Cuando Prince tenía siete años, sus padres se divorciaron. El pequeño se quedó con el piano de su padre. Con el tiempo, el joven se transformó en un virtuosos de la música que tocaba con maestría la guitarra eléctrica y manejaba hasta una veintena de instrumentos diferentes.

Icono entre los iconos, el músico fue una figura incontestable de la música popular de los últimos 30 años. No solo se va un músico mayúsculo. Gracias a su visión innovadora y a su poderosa estética, era un verdadero emblema del pop. Durante la década de los años ochenta, fue uno de los artistas más importantes, dando forma a principios de la década a lo que se conoció como el sonido Minneapolis, que se caracterizaría por su influencia del funk y el R&B dentro de una concepción pop. Fue su gran aportación en la década en la que el pop dominó las listas de éxito.

Debutó en 1978 con For You, donde daba muestras de su gusto por los ritmos urbanos. Sin embargo, su primer gran paso artístico llegó con Dirty Mind (1980), en el que se subía al carro de la new wave con un trabajo sobresaliente. Su fascinación por los sintetizadores, mezclados con R&B y funk, marcaría tendencia gracias a álbumes como Controversy (1981) y 1999 (1982). Alcanzaría la cima de su popularidad con Purple Rain (1984), uno de los discos más emblemáticos de aquella década que influiría en toda una legión de artistas y grupos en años posteriores, compitiendo en relevancia con Michael Jackson y Madonna. Cuando parecía que no podía superarse, publicó poco después Sign O the Times (1987), un doble álbum considerado como su gran obra maestra por la crítica y visto como el gran doble disco de los ochenta, al nivel del White album de los Beatles, Exile On Main St. de los Rolling Stones o Blonde on Blonde de Bob Dylan.

En los noventa, comenzó sus litigios con las discográficas y su emancipación simbólica de las majors. The Love Symbol Album (1992), donde mostraba sus influencias electrónicas para seguir en la cima del pop, se hacía reconocer por el símbolo del amor. Otro notable disco fue Emancipation (1996). Había perdido visibilidad en mitad de sus batallas y experimentos varios. Su último testimonio discográfico fue un doble trabajo llamado HITnRUN: Phase One and Two (2015).
(Resumen tomado del Diario El País).

PRINCE - DIRTY MIND

PRINCE – PURPLE RAIN

PRINCE – SIGN O THE TIMES

PRINCE – CREAM

NOTICIA DEL FALLECIMIENTO DE PRINCE

jueves, 21 de abril de 2016

ARCO IRIS


Arco Iris fue una banda de rock argentino formada en 1968 en la localidad de El Palomar en el Gran Buenos Aires, integrada por Gustavo Santaolalla (guitarra y voz), el egipcio Ara Tokatlian (vientos), Guillermo Bordarampé (bajo), Horacio Gianello (batería y percusión), y Danais Winnycka (Dana) (guía espiritual). Es considerado uno de los grupos fundacionales del rock argentino, aportando un misticismo y sobre todo la idea de fusión del rock con ritmos folclóricos que contrastaba con otros referentes de la época, como Los Gatos, Almendra, Manal o Vox Dei. 
Su primer disco fue el simple Lo veo en tus ojos y Canción para una mujer, publicado el 6 de mayo de 1969. En enero de 1970 ganaron el Festival Beat de la Canción Internacional de Mar del Plata con el tema Blues de Dana, que se transformó en un éxito. Pocos meses después editan una recopilación de sus singles bajo el título de Blues de Dana, y en mayo del mismo año editan su primer álbum oficial, Arco Iris.
El grupo se caracterizó tanto por su misticismo hippie, bajo la guía de Dana como por una musicalidad caracterizada por la complejidad y la fusión con ritmos folclóricos, de la mano del talento de Gustavo Santaolalla como compositor y del egipcio Ara Tokatlián, aportando el sonido de la flauta o del saxo, inusuales en el rock argentino de entonces. 
En 1972 editan dos álbumes: Tiempo de Resurrección, incluyendo el tema Mañana campestre uno de los clásicos de todos los tiempos del rock argentino y Vasudeva. La ópera rock Sudamérica, o el regreso a la Aurora, en el que se destaca el tema final, Sudamérica. 
También este año, su ex compañía discográfica editó Suite Nº 1, con material sobrante de su primer LP. Es necesario recordar que el mismo Santaolalla no aprobaba esta edición. 
En 1973 editan Inti-Raymi y en 1974 Agitor Lucens V, incursionando en el rock sinfónico y obteniendo un gran éxito. 
En 1975 la comunidad que formaban los integrantes de Arco Iris se rompió y Santaolalla abandonó la banda, fundando el grupo Soluna. 
Santaolalla inicia luego un extraordinario trabajo musical y como productor en Los Ángeles, impulsando la música latina, llegando a ganar dos premios Óscar. En 2003 murió Dana, quien se había casado en 1983 con Ara Tokatlián, y el grupo quedó definitivamente disuelto.


ARCO IRIS – BLUES DE DANA

ARCO IRIS – PARAISO SIDERAL

ARCO IRIS – HOMBRE

ARCO IRIS – SUDAMÉRICA

ARCO IRIS – MAÑANA CAMPESTRE

martes, 19 de abril de 2016

ADOLFO CELDRÁN


En plena década de los 60, cuando toda actividad de partidos políticos y sindicatos de clase está prohibida en España, es la canción de autor la que se hace depositaria de las consignas políticas y de la función de concienciación de una adormecida población laboral y estudiantil. En Madrid, en 1967 unos pocos universitarios dan vida a la denominada Canción del Pueblo y comienzan a ofrecer recitales en barrios obreros y colegios mayores. Allí están entre otros los tres cantautores que habían formado Ensayo:  Elisa Serna, Hilario Camacho y Adolfo Celdrán. No es nada fácil y la censura convierte su actividad en semiclandestina. Para 1969 el grupo como tal está prácticamente deshecho, pero sus principales representantes comienzan a abrirse paso por separado en el difícil mundo discográfico. 
Adolfo Celdrán había nacido en Alicante en 1943 y hacia 1965 se había trasladado a Madrid para estudiar Física. En la Universidad Complutense había comenzado su vida teatral y musical. Tras su participación en numerosos recitales en los que se cantaba, se recitaba a los poetas semiprohibidos por el franquismo y se alentaba a los asistentes a una resistencia al franquismo, Adolfo consigue su primer contrato discográfico, apareciendo un single de tres canciones: “Cajitas” (Movieplay, 1969). Los otros dos temas son el himno partisano “Bella ciao” y “General”, sobre textos de Bertolt Brecht a la que enseguida se puso el sello de “No Radiable” y que a menudo era tachada por la censura de la lista de canciones de los recitales. Con todo, el disco se defiende bien en el mercado y aparece tímidamente en algunas listas de éxito.
Al año siguiente va a aparecer su primer LP, seguramente el más recordado de su carrera, “Silencio” (Movieplay, 1970) con portada diseñada ex profeso por el pintor Juan Genovés. En él, junto a canciones propias, aparece otra compuesta por Hilario Camacho, poemas musicados de Bertolt Brecht, Nicolás Guillén, León Felipe y Jesús López Pacheco. El disco, a pesar de las ampollas que levantó en el régimen, obtuvo algunos premios de la prensa especializada. Junto al LP se editó un single con dos de sus temas: “¡Qué Pena! / Canción de la Novia del Pescador” (Movieplay, 1970).
Lejos de aupar su carrera, la censura vetó sus actuaciones, sus discos fueron eliminados de las escaletas radiofónicas y Movieplay rompió su contrato. Era un cantante maldito y le costaba componer. Regresó a Alicante y se olvidó un tanto de la música. Durante esos años de retiro escribirá y estrenará su primera obra de teatro.
Pero en Portugal los tanques y los soldados salieron con claveles en las bocachas de sus armas para derrocar la dictadura y Adolfo revivió al tiempo que aquí el fascismo daba sus últimas bocanadas de sangre. Movieplay volvió de nuevo a firmarle contrato al ver que justo esa música era demandada. De vuelta en Madrid, se mete en un estudio con su habitual arreglista, el cantautor argentino Carlos Montero, para alumbrar “4.444 Veces por ejemplo” (Movieplay, 1974), un homenaje a la vida y obra del poeta Miguel Hernández. También incluye poemas de León Felipe, Nicolás Guillén y Antonio Gómez, todos musicados por el propio intérprete.
Como una lógica continuación del anterior surge “Al Borde del Principio” (Movieplay, 1976) dedicado íntegramente a Miguel Hernández, convertido ya en su auténtico poeta de cabecera. Ese año Adolfo publicará también su primer libro de poemas. A partir de los homenajes que se rindieron a Miguel Hernández, Adolfo traba conocimiento y pasa a militar en el recién legalizado Partido Comunista, aunque siempre como miembro de base sin aceptar cargos políticos relevantes. 
En 1977, salidos ya del mal sueño que había durado cuarenta años, Adolfo Celdrán se venga de algún modo de las penurias anteriores con “Denegado” (Movieplay, 1977) en el que se incluye sus canciones total o parcialmente censuradas en años anteriores. Ese mismo año había publicado un sencillo un tanto oportunista: “Vota Bien y Mira a Quién” (Movieplay, 1977). En 2002 va a volver a enfrentarse a un disco individual. Un reto para un maduro Adolfo Celdrán, que publica “Jarmizaer, Jarmizaer” (Ceyba, 2002) con textos de Antonio Machado, García Lorca y propios. Fiel a su gente, promoverá y actuará en el homenaje memorial a Hilario Camacho y ha mantenido durante toda su vida el sentido de compromiso con el pueblo y con sus propias ideas filosóficas y sociales sin dejarse tentar por los vaivenes políticos de cada momento. Ante todo Adolfo Celdrán es un hombre y un cantante íntegro y sus obras así lo reflejan.


ADOLFO CELDRÁN – QUE PENA

ADOLFO CELDRÁN – VIENTOS DEL PUEBLO

ADOLFO CELDRÁN – LA CRUZADA DE LOS NIÑOS

ADOLFO CELDRÁN – BELLA CIAO

ADOLFO CELDRÁN – GENERAL

domingo, 17 de abril de 2016

DUETOS - XIX



Hoy le toca a Carlos Santana con otros grandes intérpretes.


CARLOS SANTANA & SARAH MCLACHLAN – ANGEL

LOS LONELY BOYS & CARLOS SANTANA – LA BAMBA

CARLOS SANTANA & GEORGE BENSON – BREEZIN

MICHELLE BRANCH & CARLOS SANTANA - I'M FEELING YOU

CARLOS SANTANA & ERIC CLAPTON – JINGO

viernes, 15 de abril de 2016

BELLE EPOQUE



Belle Epoque era el nombre de un trío, con sede en París (Francia) . El grupo tuvo la mayor popularidad durante mediados y finales de 1970 con una  nueva versión de la canción " Negro es Negro”  (Black is black) del grupo español Los Bravos .

Belle Epoque constaba de la cantante Evelyne Lenton, una cantante francesa que comenzó a grabar y realizar a principios de 1960 bajo el nombre de Evy, así como dos cantantes de respaldo, originalmente Jusy Fortes (también conocida como Judy Lisboa), procedente de Cabo Verde , y Marcia Briscoe (también conocida como Marcia Briscue), que proviene de Atlanta , Georgia . Sin embargo, con el tiempo, las chicas iban cambiando con las circunstancias.

El trío obtuvo un importante golpe en Europa 1977 con su nueva versión de discofied "Negro es Negro", a veces también conocido como "Disco Sound / Negro es Negro". La versión Belle Epoque fue un top ten éxito en muchos países europeos, incluyendo el número 2 en la lista de singles del Reino Unido (la misma posición que el tema de Los Bravos había llegado allí once años antes). La canción también se convirtió en un número 1 en Australia en 1978. 
En EE.UU., Belle Epoque son más conocidos por otra canción, "Miss Broadway", que llegó al número 26 en los EE.UU. R & B y en el número 92 en el Billboard Hot 100 en 1978.


BELLE EPOQUE – BLACK IS BLACK

BELLE EPOQUE – MISS BROADWAY

BELLE EPOQUE – BAMALAMA

BELLE EPOQUE – MISTER-DO-RIGHT

BELLE EPOQUE – NOW